MCA-expositie verkent meer serieuze kant van Takashi Murakami
Toen het Museum of Contemporary Art Chicago besloot een grote tentoonstelling te organiseren gewijd aan de Japanse superster Takashi Murakami, had het zich gemakkelijk kunnen concentreren op zonnige werken met zijn kenmerkende smiley-bloemen of cartoonachtige personage, Mr. DOB.
'Takashi Murakami: de octopus eet zijn eigen been'
Wanneer: 6 juni - sept. 24
Waar: Museum voor Hedendaagse Kunst, 220 E. Chicago
Informatie: mcachicago.org
Maar hoofdconservator Michael Darling wilde iets anders doen. Hij probeerde verder te gaan dan het bekende en een minder bekende, bredere en uiteindelijk diepere kant van deze creatieve dynamo te onthullen, waarvan pop en kitsch soms te gemakkelijk worden weggewuifd.
Er is zoveel meer voor hem als kunstenaar dan mensen hem de eer geven, zei Darling, die voor het eerst met Murakami werkte in 2001 toen hij onderzoeksassistent was bij het Los Angeles Museum of Contemporary Art.
Het resultaat is Takashi Murakami: The Octopus Eats Its Own Leg – de eerste grote retrospectieve van de kunstenaar in de Verenigde Staten in 10 jaar. Het opent op 6 juni en loopt tot 24 september in het MCA en reist vervolgens in 2018 naar de Vancouver Art Gallery in British Columbia en het Modern Art Museum van Fort Worth (Texas).
Zeker, Murakami, 52, is een neo-pop artiest die inspiratie put uit Japanse animatie en stripboeken en graag de grenzen tussen de zogenaamde hoge en lage kunst laat vervagen met zijn massamarkt productlijnen en samenwerkingen met rapper Kanye West en de modehuis, Louis Vuitton.
Er was zeker een moment waarop hij daarop speelde, en dat was het bepalende aspect van zijn werk, zei Darling.
De tentoonstelling, die drie decennia beslaat en meer dan 50 werken omvat, gaat niet voorbij aan dit populaire gezicht van de kunstenaar. Zo worden Flowerball 2 (2002) en Flowerball 3D (2008), ronde schilderijen vol met zijn heldere, lachende bloemen, op behang met soortgelijke motieven gemonteerd voor wat de curator maximale optische overbelasting noemt. Dit is de Murakami die mensen zullen kennen en herkennen, zei hij.
Maar dergelijk werk is slechts één facet van deze show. Om aspecten van Murakami's kunstenaarschap te benadrukken die volgens Darling over het hoofd zijn gezien, besloot hij de tentoonstelling te concentreren op de evolutie van de schilderijen van de kunstenaar, waarbij hij zijn ernst en toewijding aan geschiedenis en traditie benadrukte.
Ik wil natuurlijk dat mensen genieten van de bloemenpracht en dat soort dingen, maar ik wilde ook dit andere verhaal vertellen, zei Darling. En hij was bereid om die weg met ons op te gaan.
De tentoonstelling opent met vrijwel onbekende werken uit het begin van Murakami's carrière, waaronder enkele die nog nooit eerder in de Verenigde Staten zijn getoond. Ze laten hem artistieke stijlen en benaderingen uit zowel het Oosten als het Westen uitproberen die hij uiteindelijk zou samensmelten in zijn eigen kenmerkende stem.
Deze omvatten een set van drie sombere figuratieve werken zoals Picture of a Turtle 'I Spin' (1986), die zijn gebaseerd op de traditionele Nihonga-stijl van de Japanse schilderkunst, en een drietal kleine monochromatische stukken die kijken naar westerse conceptuele ideeën.
Rond 2007-08, toen Murakami's carrière aan het stijgen was, zei Darling, begon de kunstenaar de toekomst van zijn werk en zijn nalatenschap in twijfel te trekken.
Uit dit zoeken naar zielen ontstond een nieuwe toewijding aan de Japanse geschiedenis en nieuwe richtingen in zijn werk dat een duistere dimensie kreeg na een aardbeving en tsunami in 2011 die delen van Japan verwoestte.
Een ingrijpend voorbeeld van minder vaak gezien laat werk is een 10 meter lang schilderij met 10 panelen, getiteld 100 Arhats (2013), met een assortiment cartoonachtige boeddhistische figuren. Het wordt weergegeven met een ingewikkelde gelaagdheid van honderden zeefdrukken, een techniek die Murakami heeft aangescherpt om de minutieuze details te verkrijgen die hij zoekt.
Er is gewoon niemand ter wereld die zoiets maakt, zei Darling, vooral de schaal, het detail en de techniek. Het is gewoon ongelooflijk hoeveel werk en planning er in zoiets als dit zit.
Er tegenover hangt Dragon in Clouds – Indigo Blue (2010), een even spectaculair maar vrijer stromend schilderij van 19 meter lang. Het is gebaseerd op een historisch Japans werk, maar opnieuw vormgegeven op een veel grotere schaal.
De laatste galerij omvat twee werken die speciaal voor deze tentoonstelling zijn gemaakt. De eerste is de naamgenoot van de tentoonstelling, The Octopus Eats Its Own Leg, een 35-panel, 114-voet lang schilderij dat zich volledig om de ruimte wikkelt. De tweede is een 15 meter hoge, met graffiti bespatte sculptuur die een watertuit suggereert. Dus deze kamer wordt behoorlijk overdreven, zei Darling.
De tentoonstelling, gepland in de zomer om te profiteren van het beste toeristenseizoen van de stad, zal waarschijnlijk de grootste trekpleister van het museum worden sinds de presentatie van David Bowie Is in 2014-15, die 193.000 mecenassen naar de tentoonstelling bracht. Recente Murakami-tentoonstellingen hebben records gevestigd in de instellingen waar ze werden gepresenteerd in Oslo en Tokio.
De MCA mengt zich in blockbuster-tentoonstellingen als deze met andere presentaties van belangrijke maar vaak minder algemeen erkende kunstenaars.
Het is heel bewust, zei Darling. Wij zijn het die echt het publiek proberen uit te breiden en mensen proberen binnen te halen die misschien niet naar een museum voor hedendaagse kunst zouden komen - ze lokken misschien met een naam. Maar in het geval van Bowie of zo, is er echt serieuze inhoud waar we ons goed bij voelen en trots op zijn. We zijn niet alleen maar aan het toegeven.
Kyle MacMillan is een lokale freelanceschrijver.
Хуваах: